디제의 애니와 영화 이야기

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시계태엽 오렌지 - 폭력성 강제 거세, 과연 정당한가? 영화

※ 스포일러를 포함하고 있습니다.

10대 소년 알렉스(말콤 맥도웰 분)는 부하처럼 부리는 친구 3명과 함께 폭행, 성폭행, 강도를 일삼습니다. 친구들의 배신으로 체포되어 교도소에서 2년을 복역하던 그는 약물, 동영상, 음악을 활용한 ‘루도비코 치료’를 자원합니다. 치료가 종료된 뒤 석방된 알렉스는 폭력과 섹스에 대한 거부반응이 지나쳐 부작용에 시달립니다.

폭력성의 강제 거세는 옳은가?

영화 ‘시계태엽 오렌지’는 안소니 버제스의 1962년 소설을 스탠리 큐브릭 감독이 각색, 제작, 연출한 1971년 작입니다. 영국을 배경으로 범죄자에 대한 정부의 강제적 교화의 부작용을 다룹니다. 인간 고유의 본성인 폭력과 섹스에 대한 욕망을 거세하는 전체주의적 정부를 소재로 해 ‘1984’와 흡사한 SF 요소를 지닌 근 미래 디스토피아 정치 소설입니다.

주인공 알렉스는 폭력성을 부추기는 약물이 함유된 우유를 마시고 범죄를 저지르며 쾌감을 얻습니다. 알렉스의 흉악한 범죄가 나열되는 초반과 달리 중반 이후 그는 희생양으로 반전됩니다. 알렉스 개인의 죄는 무겁지만 전체주의적 정부의 인권 침해에 비하면 상대적으로 가벼워 보입니다. 사악한 개인보다 사회 전체의 악이 더욱 무겁기 마련입니다.

강제적 교화에 대한 교도소 사제(갓프리 퀴글리 분)의 지적은 ‘시계태엽 오렌지’의 주제의식을 압축합니다. 사제는 인간의 자유 의지가 아닌 약물 등의 수단을 동원한 강제적 교화는 옳지 않다고 주장합니다.

인간이 폭력성을 스스로 다스리지 못할 경우 강제적으로 거세하는 것이 정당한지 여부에 대한 논쟁이 현재까지 이어지고 있다는 점에서 ‘시계태엽 오렌지’는 정치적, 사회적, 철학적 질문을 관객에 던집니다.

집단으로부터 소외되는 알렉스

내레이션까지 맡는 1인칭 주인공 알렉스는 4개의 집단으로부터 이용당하거나 버림을 받습니다.

첫째, 부모로부터 버림받습니다. 알렉스에 무관심했던 부모는 외아들인 그를 교도소에서 면회하는 장면이 없습니다. 그의 출소 사실을 신문 기사를 통해 인지하고도 마중을 나오기는커녕 세입자 청년 존(클라이브 프랜시스 분)을 아들처럼 여깁니다. ‘시계태엽 오렌지’는 블랙유머로 가득하지만 특히 이 장면은 시트콤처럼 더욱 유머러스하게 연출되었습니다. 알렉스는 집에서 쫓겨납니다.

둘째, 알렉스를 배신한 친구들은 2년 뒤 경찰이 되어 그를 물고문하며 괴롭힙니다. 그가 친구들에 먼저 위해를 가한 것은 사실이지만 친구들은 그에게 그 이상을 복수합니다.

셋째, 시민을 보호해야 하는 정부가 알렉스를 실험 대상으로 활용합니다. 부작용에 대한 언론 보도를 경계한 정부는 그를 매수합니다. 오갈 곳 없는 그가 선전 도구를 자청하는 결말은 해피엔딩과는 거리가 멉니다. 의지할 곳이 전무한 알렉스는 현대 사회의 인간의 소외 및 고독을 상징합니다.

넷째, 반정부 세력이 알렉스를 선전을 위한 도구로 이용합니다. 반정부 세력의 한 축인 작가 알렉산더(패트릭 매기 분)는 아내를 성폭행한 알렉스를 정치적으로 이용하는 것을 넘어 개인적 복수까지 자행합니다. 정부의 세뇌에 가까운 실험은 분명 부정하다고 볼 수 있으나 반정부 세력 역시 인도적이라 보기는 어렵습니다.

‘시계태엽 오렌지’는 알렉스 1인칭 화자의 중심으로 전개되기에 정부와 반정부 세력 간의 갈등은 구체적으로 묘사되지는 않습니다. 하지만 양대 세력 간에 여론전이 치열하게 벌어지고 있음을 유추할 수 있습니다.

알렉산더의 자택 입구에는 ‘HOME’이라는 생뚱맞은 간판이 장식하고 있습니다. ‘집’을 뜻해 ‘안락함’을 상징하는 ‘HOME’이지만 알렉스가 끔찍한 범죄를 저지르며 훗날 복수를 당하는 공간이라는 점에서 역설적인 간판입니다. 부모의 집, 즉 가정으로부터 쫓겨난 알렉스가 도착한 공간이라는 점에서도 마찬가지입니다.

완벽주의자 스탠리 큐브릭

‘시계태엽 오렌지’는 개봉으로부터 50여 년이 지난 현 시점에서 봐도 잔혹하며 충격적인 작품입니다. 여성의 가슴 및 성기 노출과 난교 장면은 다반사이며 폭력 장면은 적나라하고 가학적입니다. 그럼에도 스탠리 큐브릭 감독은 장난스럽게 연출해 개봉 당시부터 논란의 중심에 섰던 문제작입니다.

스탠리 큐브릭의 완벽주의자 면모는 두드러집니다. 피사체를 정중앙에 배치한 뒤 좌우의 균형을 맞추는 미장센, 이질감마저 불러일으키는 색상 및 디자인의 소품과 의상, 치밀하게 계산된 세트 등 기술적 완성도가 뛰어나 볼거리가 많습니다. 웨스 앤더슨, 박찬욱 등의 감독들에 미친 영향이 엿보입니다.

알렉스가 동료들에 역습을 가하는 장면은 느린 영상으로 제시되는 반면 그가 2명의 여자와 난교를 벌이는 장면은 빠른 영상이라 대조적입니다. 배우들에게 상당한 연기력을 요구하는 롱테이크도 많습니다. 전반부 기세등등한 가해자에서 후반부 힘없는 희생양으로 전락하는 알렉스를 연기하는 말콤 맥도웰의 열연은 강렬합니다.

알렉스가 2명의 여성을 유혹하는 레코드숍 장면에는 스탠리 큐브릭의 전작 ‘2001 스페이스 오디세이’의 LP가 소품으로 등장합니다. 알렉스의 아버지를 연기한 필립 스톤은 스탠리 큐브릭의 1980년 작 ‘샤이닝’에서 주인공 잭에게 살인을 부추기는 딜버트 그래디로 출연하게 됩니다.

한글 자막 오류

롯데시네마의 스탠리 큐브릭전의 일환으로 상영된 ‘시계태엽 오렌지’이지만 한글 자막은 오역이 드러나 아쉽습니다. 알렉스가 복역하는 교도소의 책임자인 ‘Prison Governor’를 ‘주지사’로 번역했습니다. ‘교도소장’이 옳습니다.

교도소의 성공회 사제의 대사 속에서 한글 자막이 ‘하나님’으로 번역되었습니다. 한국에서 성공회는 천주교와 마찬가지로 ‘하느님’으로 칭합니다.

닥터 스트레인지러브 - 반전(反戰) 의식이 투철한 블랙 코미디
2001 스페이스 오디세이 - 압도적인 비쥬얼에 깔린 심오한 철학
2001 스페이스 오디세이 - 반가운 재개봉, 아쉬운 리마스터링
시계 태엽 오렌지 - 정치적, 철학적인 불후의 걸작이자 SF 성장담
샤이닝 - 압도적 걸작, 스크린에서 재회하다

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미래의 미라이 - 제목처럼 동어 반복, 호소다 마모루의 ‘미래’는? 애니메이션

※ 스포일러를 포함하고 있습니다.

4살 소년과 갓난아기 여동생

호소다 마모루 감독이 원작, 각본, 연출을 맡은 극장판 애니메이션 ‘미래의 미라이’는 갓난아기 여동생 미라이를 질투하던 4살 소년 쿤이 다양한 시간대를 여행한다는 줄거리입니다. 쿤은 미래로 가 10대가 된 미라이를 만나는데 이것이 제목 ‘미래의 미라이’가 되었습니다.

미라이의 이름은 ‘미래(未來)’에서 비롯되었기에 제목 ‘미래의 미라이(未来のミライ)’를 일본어로 읽으면 ‘미라이노미라이(みらいのミライ)’로 동어반복입니다. 쿤의 부모를 비롯한 일가족은 이름은 물론 성도 제시되지 않으며 주인공 쿤도 애칭으로 보이는 가운데 유독 미라이만이 한자 이름까지 제시됩니다. 이름을 둘러싼 의도적 설정은 클라이맥스에서 쿤의 위기 극복의 단서가 됩니다.

‘미래의 미라이’의 가장 큰 장점은 부모의 관심을 독차지한 동생이 생긴 4살 소년의 소외감 묘사입니다. 애당초 이처럼 어린 나이의 남매를 조연이 아닌 주인공으로 설정하는 극장판 애니메이션은 드문데다 호소다 마모루 감독 특유의 섬세함이 작용해 쿤의 심리와 행동 포착은 인상적입니다.

‘시간을 달리는 소녀’, 그리고 ‘백 투 더 퓨처’

‘미래의 미라이’는 호소다 마모라 감독의 전작의 기시감으로 가득합니다. 쿤이 미래의 미라이를 비롯한 자신의 가족들과 만나며 깨달음을 얻는 결정적 계기인 시간 여행은 소재는 물론 연출마저 ‘시간을 달리는 소녀’를 빼닮았습니다.

근본적으로는 시간 여행을 소재로 한 영상 작품 중 최고봉이라 할 수 있는 ‘백 투 더 퓨처’를 연상시킵니다. 시간 여행을 통해 과거와 미래 등 다양한 시간대의 가족을 만나 ‘가족 문제’를 해결하는 전반적인 과정이 동일합니다. 쿤이 과거로 거슬러 올라가 자신의 또래인 어린 어머니를 만나 빚는 촌극은 ‘백 투 더 퓨처’에서 주인공 마티가 과거로 거슬러 올라가 자신의 또래인 어머니를 만나 빚는 촌극과 기본 설정이 흡사합니다.

‘백 투 더 퓨처’의 시간 여행은 일관된 서사 구조 속에서 앞뒤가 정확히 들어맞아 매우 치밀했습니다. 하지만 ‘미래의 미라이’의 시간 여행은 나열식이며 산만합니다. 과거의 증조부, 아버지, 어머니, 그리고 미래의 미라이는 물론 쿤 자신과도 만나는 옴니버스 구성의 소품에 가깝습니다. 누구든 예상할 수 있는 결말에서도 벗어나지 않습니다. 딱히 반전이랄 것도 없습니다.

호소다 마모루의 동어 반복

‘미래의 미라이’는 육아의 어려움을 강조하는 가운데 자식은 물론 부모도 성장한다는 주제의식을 담고 있습니다. 하지만 이는 ‘늑대아이’에서 이미 강조된 것입니다.

늑대아이’는 자식보다는 부모에, ‘미래의 미라이’는 부모보다는 아이에 상대적으로 방점을 두지만 큰 차이는 없습니다. 쿤의 첫 번째 시간 여행이 되는 강아지 윳코와의 대화 및 융합도 ‘늑대아이’와 ‘괴물의 아이’에서 다뤄진 인간과 동물의 경계 허물기와 다르지 않습니다.

영화 및 애니메이션 감독 중에는 일생 동안 엇비슷한 소재나 비슷한 스타일을 반복 및 변주하는 경우가 상당합니다. 그 과정에서 전작보다 후속작이 새로운 요소들을 포함하고 있으며 완성도에서 발전된 모습을 보일 수도 있습니다.

하지만 호소다 마모루와 같이 동어 반복을 벗어나지 못하면 실망스러울 수밖에 없습니다. 만일 ‘미래의 미라이’가 호소다 마모루의 데뷔작이었다면 높은 평가를 받았을 수도 있으나 3년만의 신작에서 자기 복제를 벗어나지 못했습니다. 제목이 동어 반복이듯 작품의 내용조차 동어 반복입니다. 호소다 마모루의 미래, 즉 차기작이 궁금합니다.

쿤 성우, 연기력 부재 노출

주인공 쿤의 성우 캐스팅도 약점입니다. 18세의 카미시라이시 모카가 연기했지만 4세 소년이 아닌 연기자 본인의 나이 및 성별을 전혀 숨기지 못해 매우 어색합니다. 변성기가 지나지 않은 소년 캐릭터의 목소리 연기는 기본적으로 여성이 맡지만 연기력이 검증된 베테랑 여성 성우에 맡기는 편이 나았습니다. 성우 미스 캐스팅 역시 연출자인 호소다 마모루 감독의 최종적 책임입니다.

조연 캐릭터는 유명 배우들이 목소리를 담당했습니다. 미래의 미라이는 쿠로키 하루, 쿤의 할아버지는 ‘괴물의 아이’에서 쿠마테츠를 맡았던 야쿠쇼 코치, 그리고 쿤의 증조부는 후쿠야마 마사하루가 연기했습니다.

시간을 달리는 소녀 - 즐거웠던 전반부를 잠식한 뻔한 결말
썸머워즈 - 소재는 사이버 펑크, 주제는 가족주의
늑대아이 - 두 아이와 함께 성장하는 엄마
괴물의 아이 - 야쿠쇼 코지 열연, 압도적

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언브레이커블 - 슈퍼히어로의 본질, 재해석 돋보여 영화

※ 스포일러를 포함하고 있습니다.

뉴욕의 구직 면접 뒤 필라델피아로 돌아오던 경비원 데이빗(브루스 윌리스 분)은 열차 탈선 참사의 유일한 생존자가 됩니다. 그에게 코믹북 갤러리를 소유한 일라이저(사무엘 L. 잭슨 분)가 접근합니다. 일라이저는 데이빗이 특별한 능력을 보유했음을 일깨웁니다.

대조적 두 주인공

M. 나이트 샤말란 감독이 각본, 제작, 연출을 맡은 2000년 작 ‘언브레이커블(Unbreakable)’은 제목 그대로 외상을 입지 않는 초능력을 보유한 데이빗과 ‘유리’를 뜻하는 ‘글래스(Glass)’라 불릴 만큼 쉽게 골절상을 당하는 일라이저를 주인공으로 합니다.

육체적인 ‘특별함’만큼 두 중년 남성은 대조적입니다. 데이빗은 아내와 외아들을 둔 백인인 반면 일라이저는 홀어머니가 유일한 가족인 흑인입니다. 데이빗은 스타디움 경비원, 즉 블루컬러이지만 일라이저는 갤러리를 소유한 화이트컬러에 가깝습니다. 풋불로 과거가 대변되는 데이빗은 넓은 공간에서 몸을 움직이며 생계를 잇습니다. 반면 코믹북으로 과거가 대변되는 일라이저는 지팡이 혹은 휠체어에 의존하며 좁은 실내가 일터입니다.

데이빗의 초능력을 각성시킨 일라이저가 열차 참사 등을 획책했음을 밝혀지는 결말을 통해 ‘언브레이커블’은 슈퍼히어로 대 악역의 대립 구도인 슈퍼히어로 영화임이 분명해집니다. 데이빗(David)은 거인 골리앗을 물리친 슈퍼히어로와 같은 다윗, 일라이저(Elijah)는 데이빗의 초능력을 발견했다는 점에서 예언자 엘리야로 모두 성서에서 비롯된 작명으로 보입니다.

슈퍼히어로와 악역의 특별한 관계

데이빗의 약점인 물을 일라이저는 슈퍼맨의 크립토나이트에 비견합니다. 데이빗의 ‘코스튬’은 정체를 숨기며 물에 대한 약점을 상기시키는 비옷입니다.

일라이저는 악역은 육체를 사용하는 유형과 두뇌를 쓰는 유형 두 가지로 나뉜다며 슈퍼히어로 장르의 본질을 꿰뚫습니다. 물론 일라이저는 악역 중 후자입니다.

일라이저는 자신과 데이빗이 가까워져야 하는 이유로 슈피허어로와 악역이 가까운 친구라는 장르적 특성을 언급합니다. ‘스파이더맨 3’의 스파이더맨과 뉴 고블린, ‘캡틴 아메리카 윈터 솔저’의 캡틴 아메리카와 윈터 솔저, ‘엑스맨’ 시리즈의 프로페서X와 매그니토, 그리고 슈퍼맨의 10대 시절을 묘사한 드라마 ‘스몰 빌’의 클라크 켄트와 렉스 루터 등은 모두 절친한 친구 사이입니다. 따라서 ‘언브레이커블’은 버디 무비의 요소도 있습니다.

엑스맨 퍼스트 클래스’를 기점으로 프로페서X를 연기한 제임스 맥어보이는 ‘언브레이커블’의 후속작 ‘23 아이덴티티’와 ‘글래스’에서 ‘육체형’ 악역에 가까운 케빈을 연기했습니다.

데이빗의 직업이 사람들의 안전을 지키는 ‘경비원’인 것은 일라이저의 대사처럼 의도적이며 노골적인 설정입니다. 악의 화신 일라이저와의 교류를 통해 데이빗이 자신의 사명에 대해 각성해 슈퍼히어로로 활동하기 시작하는 전개는 슈퍼히어로가 공격적이 아닌 방어적으로 탄생하는 존재이기 때문입니다.

즉 브루스 웨인은 부모가 죽임을 당해 배트맨이 되었으며 ‘맨 오브 스틸’의 경우 클라크 켄트는 조드 장군의 지구 침공이 계기가 되어 슈퍼맨 활동을 시작합니다. 스티브 로저스는 제2차 세계대전으로 인해 캡틴 아메리카로 탄생합니다.

세상의 모든 악이 사라진다면 슈퍼히어로는 불필요한 존재가 됩니다. 따라서 배트맨과 조커의 관계처럼 슈퍼히어로와 악(악역)은 공생 관계라는 시각의 코믹북 혹은 영화도 제작되고 있습니다. 극중에는 ‘스파이더맨’, ‘토르’ 등의 코믹북도 소품으로 사용되었습니다.

히치콕이 되고픈 나이트 샤말란

슈퍼히어로 영화는 오락성이 가장 강한 블록버스터이지만 ‘언브레이커블’은 자극적 요소가 적고 대중성이 부족합니다. 액션은 거의 없으며 큰 볼거리가 될 수 있는 초반의 열차 사고 장면도 생략되었습니다. 미국에서도 전통적 색채가 강한 도시 필라델피아를 배경으로 설정해 차분함이 강조됩니다. 제임스 뉴튼 하워드의 음악은 영상보다 앞서 나가지 않습니다.

M. 나이트 샤말란은 액션 영화보다는 히치콕 스타일의 스릴러를 추구하는 감독입니다. 히치콕과 마찬가지로 자신의 작품에 단역으로 등장하기를 즐기는 M. 나이트 샤말란은 ‘언브레이커블’에는 데이빗과 스타디움에서 조우하는 마약상으로 등장합니다.

열차 객실에서 데이빗이 우연히 옆자리에 앉은 켈리(레슬리 스테판슨 분)에 집적대는 서두의 장면은 알프레드 히치콕의 1951년 작 ‘열차 안에 낯선 자들’의 오마주로 보입니다. 절묘한 롱 테이크가 두드러지는 이 장면을 통해 데이빗이 부부 관계가 소원하며 풋볼과는 악연이 있음이 암시됩니다.

하지만 데이빗이 아내 오드리(로빈 라이트 분)와 소원했던 이유나 뉴욕에서 면접에 임했던 일자리가 구체적으로 무엇인지는 끝내 설명되지 않습니다. 로빈 라이트(Robin Wright)는 당시 숀 펜(Sean Penn)과 부부였기에 로빈 라이트 펜(Robin Wright Penn)으로 크레딧에 제시됩니다. 1996년 결혼한 두 사람은 2010년 이혼했습니다.

장르적 본질 비튼 수작

개봉 당시 많은 이들이 M. 나이트 샤말란 감독의 전작 ‘식스 센스’와 같이 충격적인 결말의 반전을 기대했지만 ‘언브레이커블’의 결말의 반전, 즉 학살자 일라이저의 정체는 이미 중반부터 암시되기에 충격이 덜합니다. 데이빗이 경찰에 신고해 일라이저는 정신병원에 수감되었다는 자막이 제시됩니다.

하지만 반전에만 의존하지 않는다면 ‘언브레이커블’은 슈퍼히어로 영화의 장르적 본질을 관통하면서도 교묘하게 비틀었다는 점에서 수작으로 평가받을 수 있습니다. 슈퍼히어로가 대세가 되어 엇비슷한 영화가 범람하는 현시점에서 다시 보면 신선함마저 체감할 수 있습니다.

2016년 작 ‘23 아이덴티티’의 종반에 데이빗이 깜짝 등장해 글래스, 즉 일라이저를 언급하면서 ‘23 아이덴티티’는 ‘언브레이커블’의 17년만의 후속편임이 드러났습니다. 개봉을 앞둔 후속편 ‘글래스’에서 데이빗과 일라이저, 그리고 케빈이 어떤 구도를 형성할지 궁금합니다.

식스 센스 - 우아한 정중동의 미스테리 스릴러
싸인 - 믿음에서 비롯되는 기적
빌리지 - 반전에만 의존하지 마시길
애프터 어스 - 윌 스미스 父子의 ‘더 로드’
23 아이덴티티 - 제임스 맥어보이 연기력에 의존한 스릴러

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